Siamo stati a Forlì a vedere la mostra molto acclamata “L’arte della moda”.
Oggi ne parliamo per andare a scoprire “L’età dei sogni e delle rivoluzioni”, un viaggio che attraversa la storia moderna dal 1789 al 1968.
Dalle creazioni su tela a quelle, ovviamente, su stoffa: ai Musei di San Domenico si racconta la moda con forma d’arte.
“La moda dipinta, ritratta, scolpita, realizzata dai grandi artisti.”
“L’abito che modella, nasconde, dissimula o promette il corpo.
L’abito come segno di potere, di ricchezza, di riconoscimento, di protesta.
Cifra distintiva di uno stato sociale o identificativa di una generazione.
La moda come oggetto e comportamento.
L’arte come specchio, racconto e sentimento del tempo.
La relazione tra arte e moda è antica e profonda.”
Comincia con queste parole il percorso della mostra.
Il legame tra abito e ruolo sociale è proprio di tutte le civiltà organizzate.
L’avvio della stessa modernità inizia con il cambiamento costante della moda, l’effetto di un lungo processo storico.
“Moda e modernità hanno la stessa radice.”
Hanno tantissime cose in comune.
Sono alla ricerca di un modus, di una misura.
“L’essenza della modernità è la ricerca di sé, la sua misura assente e fuggitiva, la sua tensione costante verso il nuovo, il costantemente nuovo come valore in sé.”
Tra i fini ultimi c’è quello di mostrare i segni della ricchezza e del potere.
L’importante è collocarsi al centro del potere e della sua comunicazione, al centro della società e dei suoi segni simbolici – proprio come fa la moda.
Tutto si muove in equilibrio tra innovazione e imitazione, orientamento al nuovo, immediata comunicabilità.
Nel rinnovarsi si comunica, nel farlo si consuma.
La fascia di tempo presa in esame è particolarmente significativa.
Si parte dal Settecento, quando la moda diventa moderna e diffusa tra classi sociali diverse.
La moda diventa oggetto di consumo sempre più diffuso.
Nascono i negozi, poi i grandi magazzini e con essi tutto il sistema di produzione.
Nasce l’esigenza della rappresentazione e di comunicazione dell’abbigliamento.
Trasgressione e omologazione, rottura e consenso, natura e artificio: arte e moda si muovono lungo questi territori.
Dalla fine dell’Ottocento e per tutto il Novecento il rapporto tra arte e moda si fa più intenso.
Abbiamo artisti che disegnano abiti, che creano la comunicazione della moda.
Poi ci sono stilisti che collezionano opere d’arte e ne fanno oggetto di ispirazione o il simbolo della propria contemporaneità.
È qui che la moda stessa diventa un’arte.
Diventa sguardo sulle cose del mondo come la filosofia, la letteratura, il cinema, e a ispirarsi all’arte stessa.
La prima sezione della mostra prende il titolo “DALL’ANCIEN RÉGIME ALLE RIVOLUZIONI” e inizia con una frase particolarmente significativa.
“L’homme ne peut laisser à son corps la forme que lui a donné la nature“, dichiarato nel 1776 dallo scrittore Jean-Nicolas Démeunier.
Tradotto: “L’uomo non può lasciare al suo corpo la forma che gli ha dato la natura”.
Il mondo aristocratico del Settecento, fatuo ed esclusivo, governato dallo sfarzo e dalla ricerca del piacere, trova per esempio nella moda una forma congeniale di autorappresentazione.
Nella sezione “IL DIRETTORIO E L’IMPERO” si ricorda invece la Rivoluzione Francese, durante la quale il corpo e l’abito assumono precisi significati sociali, culturali, ideologici in un tumultuoso processo per libertà e uguaglianza.
I capi sono sempre accompagnati da grandi opere d’arte.
Il percorso continua con l’era del Romanticismo, dell’Unità d’Italia, la Borghesia di fine ‘800, la Belle Époque e le Avanguardie del Novecento.
Si perde il centro delle cose negli anni Venti.
Nel 1929 c’è il crollo a New York della borsa di Wall Street e la crisi cambia drasticamente lo stile di vita della società.
Tutto crolla, soprattutto in Europa in cui la situazione è più drammatica, e anche nella moda emergono l’avanzata del design e della comunicazione di massa.
Tante case di moda sono al tramonto, come la Maison Worth, mentre altre si lanciano sul mercato o continuano ad avere successo – come Coco Chanel.
Sono le dive di Hollywood, a incarnare questo nuovo ideale di bellezza femminile sono.
Nelle ultime sezioni ci si muove “VERSO IL MADE IN ITALY”, ricordando per esempio la nascita nel 1932 nasce a Torino l’Ente Autonomo per la Mostra Permanente Nazionale della Moda.
Un artista come Giorgio de Chirico per esempio, negli anni ’30, si dedica anche a opere che gli vengono commissionate da importanti aziende a scopo pubblicitario o per copertine di riviste quali Vogue e Harper’s Bazar.
Si conclude con le “POETICHE DEL PRESENTE, DALL’INFORMALE AL CITAZIONISMO”.
Negli anni Sessanta del ‘900 l’atelier è luogo di produzione culturale, diventa testimone di atmosfere scandite dalla complicità fra creatori di moda e artisti.
In alcuni casi strutture e materiali fanno eco alle opere d’arte.
Si entra nella stagione nella quale il progetto di “moda” si manifesta come una disciplina rigorosa, e non come una frivola espressione dell’estro del creatore assoluto.
Artista e sarto costruiscono un dialogo tutto nuovo.
La moda è questo e molto altro a Forlì!
